Onde de choc : corps et paysages
20 juin 2018 au 27 janvier 2019
À propos
L’exposition Onde de choc : corps et paysages, préparée par Jenn Goodwin, explore le paysage dans lequel la danse contemporaine est créée, présentée et perçue. Onde de choc analyse et remet en question le pouvoir qu’une exposition confère aux objets qu’elle montre, au moyen de collections, de présentations et d’archivage. Elle tient compte également des traces que laissent les pratiques artistiques axées sur le corps ou la performance. Ce faisant, elle nous amène à nous interroger sur ce point : la danse est-elle vraiment éphémère ou fait-elle encore partie de nous longtemps après la fin d’une performance?
Cette exposition collective est composée d’œuvres d’art, dont certaines sont filmées, d’installations et d’objets liés à la danse provenant des artistes suivants : Shary Boyle, Francesca Chudnoff, Ella Cooper, Mario Côté, Aganetha Dyck, Brendan Fernandes, Angela Miracle Gladue, Deepti Gupta, La calq, Michelle Latimer, Brandy Leary, Tanya Lukin Linklater, Zab Maboungou, Lola MacLaughlin, Freya Björg Olafson, Omar Rivero, alias Driftnote, Tedd Robinson, Brian Solomon, Laura Taler, Rosanna Terracciano et Anne Troake.
Melting, Mourning and a Series of Impossible Tasks, performance présentée lors du vernissage de l’exposition
Regardez les moments forts de Melting, Mourning and a Series of Impossible Tasks, une chorégraphie de Brandy Leary qui a été présentée par l’artiste de l’Ontario Ess Hoedlmoser sur une surface recouverte de terre provenant de la région, à l’espace Âjagemô le 20 juin dernier. Les traces laissées par cette prestation ont été préservées et nous vous invitons à venir les voir pendant toute la durée de l’exposition.
Commentaire de la commissaire
Au Canada de nos jours, la danse est dynamique, tant du point de vue politique, critique qu’artistique. Par le truchement d’une lentille chorégraphique, les artistes, les commissaires et les spécialistes proposent des perspectives et des interactions uniques qui continuent d’élargir le paysage de la danse.
Onde de choc : corps et paysages présente les paysages et les multiples facettes des communautés de danse, de pratiques artistiques et de danseurs de tout le Canada. L’exposition porte un regard sur les corps, sur les mouvements et les danses faisant partie du paysage, mais aussi sur les corps et la danse en tant que paysage. Elle explore également le paysage dans lequel la danse est créée, présentée et perçue.
Le titre de l’exposition est polysémique. Au sens littéral, une onde de choc est puissante et de courte durée. Cette onde est ressentie lorsque notre corps est en contact avec les éléments naturels. Comme la danse, elle est souvent éphémère et laisse pourtant une forte impression. Au sens figuré, une onde de choc nous étonne, nous surprend et nous laisse souvent sans voix. Cette exposition est en quelque sorte l’essence de ces deux significations conjuguée avec un profond respect et une immense passion pour la danse et ses interprètes.
Dans les coulisses d’Onde de choc
Jenn Goodwin
L’exposition est en cours depuis un bon moment déjà, et j’ai eu du temps pour réfléchir. Ces jours-ci, je pense à ce qui s’est passé en coulisse et qui a permis la réalisation de l’exposition. Comme Onde de choc s’intéresse à la danse, et comme j’ai fait carrière dans cette discipline, j’aime bien songer à ce qui se passe dans les coulisses. J’ai toujours été fascinée par ce qui se trame derrière les rideaux, et j’ai tiré profit de cet intérêt dans ma pratique artistique, autant comme danseuse que comme cinéaste. Chaque exposition, chaque spectacle, chaque danse (et même chaque journée) comportent leur lot d’histoires et de détails inédits. Des aspects qui demeurent privés, cachés, inconnus, revus et corrigés. Dans le cas d’Onde de choc : corps et paysages, je souhaite partager avec vous quelques histoires qui ne seraient autrement connues que par ceux et celles qui ont travaillé de près à monter l’exposition. De petits moments et mouvements qui m’ont marquée.
À propos de la commissaire
Jenn Goodwin est une artiste de la danse, commissaire, productrice et cinéaste. Elle a récemment obtenu une maîtrise en études visuelles du programme d’études en conservation de l’Université de Toronto. Elle est aussi titulaire d’un baccalauréat en beaux-arts de l’Université Concordia, en danse contemporaine, avec une mineure en vidéo. Au cours des 20 dernières années, ses œuvres de danse et ses courts métrages ont été présentés dans différentes régions du Canada et ailleurs dans le monde. Jenn Goodwin est l’une des deux membres du groupe artistique MORTIFIED (avec Camilla Singh), qui emploie la chorégraphie, la batterie, la claquette et le cheerleading en guise d’instruments. Jenn Goodwin a travaillé comme responsable de la programmation et productrice artistique pour Nuit Blanche Toronto depuis sa création en 2006, et a été la commissaire de performances et d’expositions pour le festival SummerWorks, The Drake Hotel et le Harbourfront Centre. Elle a été publiée dans le Journal for Curatorial Studies, la Canadian Theatre Review et The Dance Current. Elle vit à Toronto avec son mari et leurs deux fils.
La commissaire tient à remercier Sioned Watkins, Amy Bowring et Dance Collections Danse, Jeanne Holmes, Justine Chambers, Neville Quinlan, Barbara Fischer, Vivine Scarlett, le CRTD, et tous les artistes de l’exposition.
Galerie
Shary Boyle
The Widow, 2013
Lithographie
Numéro : 14/5-0003
Banque d’art du Conseil des arts du Canada
Dans The Widow, un personnage féminin semblable à Atlas porte sur son dos ce qui peut être interprété comme la planète Terre : une responsabilité énorme, et pourtant emplie de tendresse. Ce dessin explore l’équilibre entre la force et la fragilité du corps humain et du monde qu’il habite.
Shary Boyle travaille avec différentes techniques, y compris la céramique, la sculpture, la peinture, l’installation, la performance et le dessin. Sa pratique est double : elle alterne entre son studio et les tournées collaboratives pour ses projets de projections et de performances. Ses œuvres se trouvent dans plusieurs collections publiques, dont celle du Musée des beaux-arts du Canada, de la Winnipeg Art Gallery et du Gardiner Ceramic Museum. Elle a représenté le Canada à la Biennale de Venise en 2013.
Aganetha Dyck
Close Knit, 1976
Chandails de laine rétrécis
Numéro : 85/6-0246
Banque d’art du Conseil des arts du Canada
L’œuvre Close Knitd’Aganetha Dyck sert de colonne vertébrale à cette exposition. Cette installation de chandails de laine rétrécis explore l’art de la fabrication du feutre : le corps humain utilise la chaleur, la pression et la sueur pour transformer la laine. D’une certaine manière, ce processus s’apparente à la danse, car il emploie des aspects chorégraphiques comme la répétition, la formation, la texture et l’interaction entre la présence et l’absence du corps. Il suggère aussi une solidarité, une unité qui n’est pas sans rappeler celle des artistes et des communautés de la danse de partout au Canada.
Aganetha Dyck est une artiste bien connue pour sa transformation d’objets communs, comme des chaussures, des boutons et des figurines, en d’autres choses, qui sont à la fois métaphysiques, délicates et parfois humoristiques. Aganetha Dyck a remporté le Prix du Gouverneur général en arts visuels et en arts médiatiques en 2007 ainsi que le Prix de distinction en arts du Manitoba en 2006. Ses œuvres ont été exposées dans des galeries et des musées partout au Canada, ainsi qu’en Angleterre, en France et aux Pays-Bas.
Brendan Fernandes
Sur une piste de danse, quelle chanson vous transporte?, 2018
Affiche offset en papier
Collection de l’artiste et Monique Meloche Gallery, Chicago
Brendan Fernandes traite la piste de danse comme un paysage et comme un site d’agence, d’occupation, de résistance, d’expression, de liberté et de vulnérabilité. Il la comprend aussi comme un « espace queer tantôt sûr, tantôt risqué – un lieu de joie et de peur, de libération et de réflexion ». Le public participe à cette œuvre en proposant une chanson accompagnée du mot-clic #ÀVousDeDanser, ce qui crée une liste de lecture virtuelle et transforme l’environnement en piste de danse.
Brendan Fernandes est un artiste canadien d’ascendance kenyane et indienne qui crée des installations, des images et des performances au carrefour de la danse et des arts visuels. Il a terminé le programme d’études indépendantes du Whitney Museum (2007), a obtenu une maîtrise en beaux-arts de l’Université Western Ontario (2005) et est titulaire d’un baccalauréat en beaux-arts de l’Université York (2002). Ses œuvres ont été diffusées largement, y compris au Solomon R. Guggenheim Museum (New York), au Museum of Modern Art (New York), au J. Paul Getty Museum (Los Angeles), au Musée d’art contemporain (Montréal) et au Musée des beaux-arts du Canada (Ottawa).
Lola MacLaughlin
Provincial Essays, 2007
Faisceaux de brindilles
Numéro : 324.2013-P-1A à E
Dance Collection Danse
Ces faisceaux de brindilles, assemblés par l’artiste Lola MacLaughlin lors de l’élagage annuel des arbres de sa cour arrière, ont été utilisés dans Provincial Essays, une de ses œuvres de danse marquantes. Cette série de paysages chorégraphiques, conçue pour cinq danseurs, jetait un regard sur la relation entre la société moderne et le monde naturel, sa domination et sa marchandisation de la nature, en contraste avec le grand pouvoir et la beauté de cette dernière.
Lola MacLaughlin est née en Colombie-Britannique et a obtenu un baccalauréat ès arts en danse de l’Université Simon Fraser. En 1982, elle a cofondé le collectif vancouvérois EDAM (Experimental Dance and Music) avec Peter Bingham, Barbara Bourget, Ahmed Hassan, Jay Hirabayashi, Jennifer Mascall et Peter Ryan. Elle a quitté EDAM en 1989 pour fonder sa propre compagnie, Lola Dance. Au cours de sa carrière, Lola MacLaughlin a reçu le prix Clifford E. Lee, le prix Jacqueline-Lemieux et un prix Isadora. Elle est décédée d’un cancer en 2009.
Angela Miracle Gladue
tenue d’apparat, 2009
Conçu par Gladue et Echo John
Brocart chinois noir et bourgogne, aux motifs de papillons et de fleurs, divers textiles et appliqués colorés, divers fils, ruban
Collection de l’artiste
La danse du châle d’apparat est un style de danse contemporain pratiqué par les femmes lors des pow-wow. Il est apparu vers la fin du XIXe siècle dans les grandes plaines de l’Oklahoma. Quand le Wild West Show de Buffalo Bill est devenu une attraction touristique populaire, les hommes de la communauté de Ponca, en Oklahoma, qui pratiquaient la danse traditionnelle ont créé des danses aux costumes d’apparat ornés de plumes pour divertir les spectateurs. Les femmes leur ont emboîté le pas et ont revêtu les costumes d’apparat masculins pour interpréter ces danses. Plus tard, les danseuses ont créé ce que l’on appelle aujourd’hui la danse du châle d’apparat en enroulant leurs châles traditionnels autour de leurs épaules et en interprétant une danse qui incorporait des jeux de pieds rapides, des vrilles, des coups de pied et des mouvements gracieux effectués avec le châle. Les communautés de ces danseuses ont d’abord résisté à cette nouvelle forme de danse, puisqu’elle présentait une rupture du lien entre les femmes et la terre. Cependant, cette danse a ensuite été adoptée, pour le potentiel qu’elle avait de favoriser un meilleur équilibre entre les hommes et les femmes dans les cercles de danse. La danse du châle d’apparat est maintenant l’une des danses les plus respectées et les plus populaires dans les cercles de pow-wow, partout sur l’île de la Tortue (conception autochtone de l’Amérique du Nord).
Francesca Chudnoff
A L G I A, 2017
Video, 5:44 min.
Collection of the artist
A L G I A est une représentation visuelle et cinétique de la mémoire. L’artiste Francesca Chudnoff a cherché à coudre son histoire personnelle dans l’habit qu’elle porte dans cette vidéo, avec de multiples couches de tissu qui lui ajoutent du poids et des formes anormales, conçues pour dissimuler son corps tout en amplifiant sa taille. L’œuvre suscite plusieurs questions : qu’est-ce que cela signifie d’être vu? Qu’est-ce que nous choisissons de ne pas divulguer? Et quelles réalités fabriquons-nous pour nous cacher?
Francesca Chudnoff est une artiste multidisciplinaire établie à Toronto. Elle a été formée et a travaillé à titre de danseuse professionnelle auprès de compagnies comme Canadian Contemporary Dance Theatre, Alias Dance Project et The Dietrich Group. Ses compétences en cinématographie, en photographie, en collage, en sculpture et en maquillage entrecoupent sa pratique de la danse. Elle a travaillé en collaboration avec un vaste éventail d’artistes de partout au Canada.
Michelle Latimer
Nimmikaage: She Dances for People, 2015
Vidéo, 3 min 47 s
Collection de l’artiste
Ce court métrage, un requiem en l’honneur des femmes métisses, inuites et des Premières Nations du Canada, déconstruit le nationalisme canadien. Il place la force constante et la résilience des femmes autochtones au premier plan afin de renverser les rapports de pouvoir et de se réapproprier l’histoire du Canada, à l’avantage de ces femmes. Nimmikaage: She Dances for People, qui fait partie de la série Souvenir, est l’un des quatre films de cinéastes des Premières Nations qui remanient des images d’archives pour aborder l’identité et la représentation des Autochtones, et redéfinir l’histoire du Canada sans lentille coloniale.
La cinéaste indépendante Michelle Latimer est la fondatrice de la compagnie de production indépendante Streel Films. Récemment, elle a été l’auteure-productrice, scénariste et directrice de la série à succès RISE (Viceland), qui porte sur la résistance autochtone. RISE a été présentée pour la première fois au Festival du film de Sundance en 2017 et a été diffusée à l’échelle internationale, puis a été finaliste pour un prix Écran canadien. Les œuvres produites par Streel Films ont été projetées à l’international lors de festivals, notamment au Sundance, au TIFF (Toronto International Film Festival), à Rotterdam, à ImagineNATIVE, à Aspen Shorts, à Oberhausen et à Cannes. Le Musée des beaux-arts du Canada a aussi fait l’acquisition de cette œuvre de Michelle Latimer.