Regarder le monde en face
Regarder le monde en face
Du 16 juin 2022 au 22 mai 2023
En 2022, la Banque d’art du Conseil des arts célèbre son 50e anniversaire avec l’exposition Regarder le monde en face, qui est présentée à l’espace d’exposition Âjagemô. La sélection est tirée de la collection de la Banque d’art et comprend un nombre inédit d’œuvres d’artistes autochtones et racisés.
L’exposition présente les oeuvres de : Barry Ace, Shuvinai Ashoona, Shelly Bahl, Carl Beam, Rebecca Belmore, Raphael Bendahan, Cécilia Bracmort, Reg Davidson, Sarindar Dhaliwal, Sherry Farrell Racette, Sunil Gupta, Jamelie Hassan, Jérôme Havre, Joanne Hui, Emily Illuitok, Gloria Inugaq Putumiraqtuq, Pedro Isztin, Serapio Ittusardjuat, Erik Jerezano, Sanaz Mazinani, Anna Jane McIntyre, Meryl McMaster, Norval Morrisseau, Indira Nair, Louise Noguchi, Julie Oh, Abdi Osman, Christina Peters, Ed Pien, Ramona Ramlochand, Paul Robles, Noboru Sawai, Ranjan Sen, Skawennati, Sam Tata, Jeff Thomas, Howie Tsui, Qavaroak Tunnillie, et Chih-Chien Wang.
En savoir plus sur certains des artistes faisant partie de l’exposition.
Démarche du commissaire
Regarder le monde en face s’intéresse aux représentations culturelles qu’offre la collection de la Banque d’art. Elle rend hommage à l’importante contribution que les artistes autochtones et racisés, historiquement sous-représentés, ont apportée au Canada.
En mettant les visages au premier plan, cette exposition montre comment les artistes des communautés marginalisées défient le regard de la culture dominante en se représentant, en racontant leurs histoires et en remettant en question les stéréotypes. Les œuvres transcendent les notions de visibilité et d’autoportrait : ce sont des actes de résistance et d’affirmation aussi courageux que généreux d’artistes revendiquant le droit d’être vus.
Qu’il s’agisse d’autoportraits ou de représentations de proches, de bandes dessinées, d’allégories, de personnages historiques ou de groupes contemporains, ces œuvres communiquent de façon brute, critique et créative toutes sortes de préoccupations, d’aspirations et de visions du monde. Mettant en valeur la différence et la pluralité, ces représentations invitent à la réflexion, dévoilant toute la complexité des communautés historiquement marginalisées du Canada. On y décèle même un parallèle entre la multiplicité dont témoignent ces œuvres et le visage même du monde, dans toute sa diversité.
À l’heure où la Banque d’art célèbre son 50e anniversaire et son soutien de longue date à l’art contemporain du Canada, cette exposition rend compte d’une collection qui représente tout un éventail d’artistes et de perspectives. Le public est confronté à une question importante et pertinente : comment l’art peut-il aider le Canada à retourner son regard vers lui-même et à regarder le monde en face?
Au sujet du commissaire
Amin Alsaden, commissaire et enseignant actif dans le milieu de l’art et de l’architecture, se concentre sur la solidarité transnationale et sur les échanges transcendant les limites culturelles. Engagé à faire progresser la justice sociale grâce aux arts, il pratique un commissariat qui contribue à disséminer des récits plus diversifiés, inclusifs et globaux, à décentraliser et à élargir les canons actuels, et à remettre en question les structures hégémoniques du savoir et du pouvoir. Ses recherches explorent l’histoire et la théorie de l’art et de l’architecture modernes et contemporains à l’échelle mondiale, mais plus particulièrement dans les mondes arabe et musulman. Régulièrement invité à titre de critique et de conseiller pour des programmes d’art, de commissariat et de design, il a abondamment publié et a animé de nombreuses conférences.
Galerie
Jamelie Hassan (1948– )
The Oblivion Seekers, 1985
encre sur papier
« Inspiré d’un souvenir, ce dessin s’inscrit dans une plus vaste série de dessins à l’encre. Lorsque j’étais enfant, dans les années 1950, j’avais conscience de l’identité arabe et musulmane de ma famille. En 1955, le premier congrès islamique au Canada a eu lieu à London, en Ontario, où notre communauté s’est rassemblée. L’œuvre immortalise le souvenir associé à la danse que j’en garde. La série combine une imagerie réaliste et orientaliste en mariant mes souvenirs à des figures historiques, d’où l’inscription des noms Oum Kalthoum et Isabelle Eberhardt. Divers éléments s’allient dans un dialogue – des mouvements entre différents sites, familiers et intimes –, bien que des tensions subsistent. »
Photo : Brandon Clarida Images Services
Sarindar Dhaliwal (1953– )
Triple Self Portrait with Persimmon and Pomegranates, 1988
collage, aquarelle, pastel à l’huile, et crayons de couleur sur papier
« Ce tableau constituait un acte de résistance aux voix faisant autorité dans le monde de l’art, qui ont jugé mon travail comme étant trop décoratif, trop personnel. J’ai donc créé l’œuvre la plus décorative et colorée possible, avec des fleurs, des personnages, des oiseaux, des animaux, des fruits et des cartes – une sorte d’illustration de ma vie en Asie, en Europe et en Amérique du Nord. J’y revisite de précédents vocabulaires, que je juxtapose dans l’espace peu profond de la miniature pour permettre la coexistence de diverses réalités. L’œuvre évoque aussi les liens unissant mes installations et mes peintures, qui témoignent parfois d’un rapport mère-fille. Ma pratique a toujours été arrimée aux facettes émotives de ma vie. »
Photo : Lipman Still Pictures
Jeff Thomas (1956– )
Traditional Powwow Dancer Joseph Crowe, Saultaux , 1990
photographie couleur
« J’ai rencontré Joseph Crowe lors de plusieurs powwow tenus à Winnipeg en 1990 et 1991. On le voit ici dans l’aire de camping de la réserve de Sioux Valley. Ma série de portraits de pow-wow 'Strong Hearts' m’avait fourni des modèles pour remettre en question la manière dont les Autochtones ont été photographiés et mis en image par des allochtones. J’ai vu l’importance de nous voir représentés en photo dans le cadre du mouvement contemporain vers l’autodétermination, qui comprend aussi l’histoire des pensionnats. En 2002, j’ai organisé l’exposition Where are the Children: Healing the Legacy of Residential Schools, consacrée aux pensionnats. Les images de force, comme celle de Joseph Crowe, montrent la résilience des peuples autochtones. »
Photo : Lipman Still Pictures
Louise Noguchi (1958– )
Compilation Portrait #15, 1995
photographie en noir et blanc
« Je suis tombée sur une vieille histoire portant sur une femme qui avait tué son mari. Elle avait un si beau visage. J’ai pris une photo en reproduisant exactement sa pose et j’ai superposé les deux portraits. Je me suis demandé si n’importe qui pouvait devenir un meurtrier. Le concept de chasseur et de proie est au centre de cette œuvre. En tant que Nippo-Canadienne, je songe au fait que le peuple japonais n’a pas fait la paix avec ce qu’il a fait subir aux autres. D’un autre côté, en tant que Canadiens, mes parents et mes grands-parents ont été enfermés dans des camps d’internement ici. On ressent une tension dans l’œuvre et dans nos identités. »
Photo : Brandon Clarida Images Services
Shelly Bahl (1970– )
Portrait of a Princess II , 1998
acrylique sur papier
« Mon travail explore les facettes étranges et surréalistes de l’hybridité culturelle et des formes nouvelles et anciennes de colonisation. J’ai effectué des recherches sur l’histoire de l’art, la culture de l’Inde et le caractère exotique qui leur est attribué, remettant en question les pratiques de l’orientalisme, l’appropriation du kitsch ainsi que la production de masse et la consommation des iconographies culturelles. J’ai déconstruit et recontextualisé des éléments issus de plusieurs périodes historiques et mouvements artistiques. Dans cette vignette, on voit deux femmes issues de mondes différents – comme nous le suggèrent leur tenue vestimentaire et d’autres indices – se rencontrer pour prendre le thé dans un environnement surréaliste, hors du temps et de l’espace. »
Photo : Brandon Clarida Images Services
Sherry Farrell Racette (1952– )
Tired Woman Contemplating Masks, 2000
argile de papier, feutre
« Cette œuvre est tirée de Dolls for Big Girls, une exposition solo qui comprenait plusieurs figurines. J’y explorais la vaste question de la représentation dans la culture destinée aux enfants, et je me suis intéressée à la poupée comme forme d’expression. Tired Woman est un autoportrait : à l’époque, je jonglais avec une multitude de responsabilités comme mère, artiste, membre d’un conseil d’administration et professeure travaillant activement à instaurer des changements institutionnels. J’avais souvent l’impression, lorsque je me préparais à quitter la maison, je mettais une armure. Une autre des poupées, Fighting Institutional Racism Woman, portait un léotard et une cape, mais dans cette œuvre-ci, j’exprimais la vulnérabilité et I’épuisement. »
Photo : Brandon Clarida Images Services
Reg Davidson (1954– )
Eagle Portrait Mask , 2004
cèdre rouge, acrylique et nacre
« Ce masque représente le portrait d’un aigle ou, plutôt, le visage d’un humain au front orné d’une figure d’aigle. Les artistes haïdas ont l’habitude de sculpter des portraits naturalistes de personnes connues ou des représentations stylisées d’ancêtres disparus depuis longtemps. Les formes peintes sur le front et les joues représentent des liens familiaux. Je suis membre du clan de l’Aigle, donc j’ai choisi de représenter cet animal. Ce masque sculpté en 2004 est fait de cèdre rouge, de nacre, d’écorce de cèdre et de peinture acrylique. »
Photo : Brandon Clarida Images Services
Barry Ace (1958– )
Cashing In, 2004
acrylique sur toile
« 'Super Phat Nish' (SPN) est une série qui aborde l’expérience des Autochtones en milieu urbain par la création d’une icône de la culture populaire. Inspiré de Nanabozo, un esprit farceur anishinaabe, SPN est une personnification introspective en constante évolution visant à interpeller, à critiquer et à autochtoniser l’imagerie coloniale normative. Le caméléonesque SPN peut être perçu comme humoristique et ironique, mais présente simultanément un sous-texte subversif qui place la critique culturelle en opposition par rapport aux récits dominants. SPN se réapproprie les images stéréotypées pour remettre en question les représentations raciales négatives grâce à un repositionnement qui s’inscrit dans l’urbanité des Autochtones d’aujourd’hui. “Super Phat” (cool et branché) se combine à “Nish” (un terme familier et affectueux désignant les Anishinaabeg) pour faire allusion au sentiment d’appartenance et au tribalisme. »
Photo : Brandon Clarida Images Services
Paul Robles (1969– )
My Beautiful War (detail), 2005-06
découpage et collage sur papier vélin
« La découpe de masque d’opéra chinois orange est tirée d’une série que j’ai créée en 2003-2007. Celle-ci s’inspirait des enjeux politiques découlant de la “guerre contre le terrorisme” de George W. Bush ainsi que de mes visites dans de petites villes du Nord de l’Ontario, où vivaient mes beaux-parents. La famille de ma conjointe comptait des mineurs et des “hommes des bois” qui chassaient et pêchaient, d’où la représentation de têtes de chevreuil. Je désirais explorer l’identité masculine et l’agression en lançant ma propre guerre contre celles-ci grâce à la notion d’altérité, inspiré par mon expérience comme Philippino-Canadien. J’ai également eu recours à un médium souvent associé à l’artisanat : de délicates coupures de papier évoquant la dentelle. »
Photo : Brandon Clarida Images Services
Shuvinai Ashoona (1961– )
Composition (People With Egg Toolboxes), 2005-06
encre
« Les personnages de ce dessin sont mes camarades de classe. Ils transportent des caméras et des iPod en forme d’œufs. Ils découvriront plus tard dans ces œufs les outils que nous utilisions pour créer des œuvres d’art et pour racler le lard de phoque et d’autres animaux d’ici. Les vêtements que j’ai dessinés ressemblent à ceux que l’on portait dans ma famille. Les personnages déposent les œufs dans des caisses, dans un camion stationné sur une plage. Je pensais à mes arrière-grands-parents, qui transportaient des boîtes de nourriture et de boissons gazeuses d’un bateau jusqu’à un entrepôt situé près de la plage. »
Courtoisie de Feheley Fine Arts
Sanaz Mazinani (1978– )
Woman Reading on Bus, Tehran, Iran, 2006
photographie couleur
« Dans ce projet, je m’efforce d’aller à l’encontre des représentations romancées de l’Asie du Sud-Ouest. Mes images éliminent l’imagerie prévalente de “l’Autre” mettant en avant le désert ou la femme voilée. Je refuse de réduire la complexité de la société iranienne à la question du voile : elle doit plutôt être vue comme une lutte entre tradition et changement. Cette photo s’inscrit dans un projet plus vaste intitulé ‘Iran Revisited’, réalisé de 1999 à 2013. Explorant les visages de l’Iran contemporain, mon pays d’origine, j’ai tenté de visualiser l’incidence de la représentation visuelle sur la compréhension que nous avons les uns des autres et sur la manière dont elle construit les identités culturelles. »
Photo : Lipman Still Pictures
Howie Tsui (1978– )
Bipolar, 2006
encre, acrylique et collage sur mylar
« Cette oeuvre est tirée de ma série 'Of Manga and Mongrels', dans laquelle je trace des dessins à l’encre de personnages uniques inspirés de ceux d’anime sur des reproductions d’illustrations manga de Hokusai datant du XIXe siècle. Cette métamorphose représente une allégorie de mon assimilation à la culture occidentale et reflète la nature changeante de l’identité, qui est propre à l’expérience de l’immigration. Ces portraits évoquent également la notion d’archéologie, de capsule temporelle. Avec cette juxtaposition, je suggère un point de référence historique au mouvement émergent Superflat (pop art asiatique) mené par Takashi Murakami. Celui-ci en a fait une influence importante dans l’art et le design contemporain, tant dans la culture populaire que dans la culture underground. »
Courtoisie de Howie Tsui
Erik Jerezano (1973– )
The Long-Armed Candidate, 2008
aquarelle, encre et crayon sur papier
« Mon travail reflète mes expériences comme immigrant et les histoires que me racontait ma grand-mère quand j’étais enfant à Mexico. J’ai toujours été attiré par les mythes, les fables, les rituels religieux (bien que je ne sois pas personnellement religieux), les cultes et les histoires effrayantes. Ce dessin fait partie d’une série qui explorait les aquarelles. Celles-ci étaient peuplées de différents personnages en constante métamorphose. Je me souviens d’avoir déjà entendu des histoires sur des humains qui se transformaient en animaux. Ce dessin fait une blague sur les politiciens, qui ont de grandes gueules en cours de campagne, et qui développent de longs bras lorsqu’ils arrivent au pouvoir. »
Courtoisie de Erik Jerezano
Anna Jane McIntyre (1973– )
Thinking of All the Famous People I Know, 2008
monotype
« Tous les éléments sont représentés en mouvement, à l’exception de la figure momifiée du coin inférieur gauche, dans un autoportrait qui évoque la question silencieuse “Où allez-vous?”. Au centre, des images de Mickey Mouse, qui sont selon moi la version polie du blackface, rappellent les premières représentations caricaturales des Afro-Américains. Les crânes constituent de joyeux memento mori, des figures empilées surmontées d’une tête de clown. Le poisson, la tête de fourmilier, le perroquet, le bras en or offrant une poignée de main dorée et l’ibis jouent des rôles plus nébuleux. Ces personnages sont issus du cirque conceptuel que j’ai imaginé, un baromètre social qui définirait la normalité et le glamour. »
Courtoisie de Anna Jane McIntyre
Jérôme Havre (1972– )
Sans titre, 2009
photographie couleur
« Cette œuvre fait partie d’une série intitulée ‘Magnifique isolation’. Elle invite l’observateur à la réflexion, tout en fournissant des références évidentes et communes aux notions d’identité, de racines et de famille. Ma pratique artistique aborde les identités personnelles et sociales ainsi que les représentations de ces identités par l’intermédiaire d’images et de formes dotées de fonctions éducatives, historiques et agréables. Je remets en question les concepts d’identité, de culture, de race, de visibilité, de représentations, de migration, d’exil et de colonisation. À partir du moment où tu penses que c’est acquis, remets ta certitude sur l’échiquier du doute. Laisse le vertige s’insinuer. Tout n’est peut-être pas dit… »
Photo : Lipman Still Pictures
Julie Oh (1984– )
Paper Route, 2009
photographie couleur
« Le fait d’avoir une ronde de journaux signifiait que j’étais comme tout le monde. La série de photos traite de cette période et du fait de grandir comme enfant d’un parent immigrant. J’ai recréé cette image de mémoire, en ayant recours à des actrices qui ressemblaient à ma sœur et à moi, afin de transformer mon souvenir en élément concret pouvant être revisité. Comme artiste, c’est un magnifique rappel de continuer à puiser dans mon honnêteté et ma vulnérabilité. Ma pauvre sœur ne recevait qu’une fraction de ma paie mensuelle : elle me le reproche encore lors des soupers de famille. Je suis vraiment désolée pour cela. »
Courtoisie de Julie Oh
Meryl McMaster (1988– )
Becoming Laura, 2012
rag estampe numérique sur chiffon de coton
« Cette œuvre évoque l’imagerie historique et mythique entourant le souvenir et la légende de Laura Ingersoll Secord, une lointaine parente de ma famille. Elle est reconnue pour la bravoure qu’elle a démontrée durant la guerre de 1812, lorsqu’elle a informé les soldats britanniques et les guerriers des Premières Nations d’une attaque imminente des Américains. Jouant le rôle de Laura, je porte son récit sur un symbole, une voile de bateau. Les paroles de la chanson Secord’s Warning s’envolent dans l’espoir d’atteindre les camarades de son mari blessé. Entre-temps, un oiseau de “mauvais augure”, le Corbeau, me guide/guide Laura dans cette épreuve. L’avertissement de Laura a été efficace : les troupes alliées britanniques et mohawks ont été victorieuses. »
Courtoisie de Meryl McMaster
Cécilia Bracmort (1985– )
Peau nature morte, sans titre III, 2020
impression à jet d’encre
« Cette photo est tirée d’une série qui remet en question la perception de mon corps et de mon identité en Occident. Le choix des fruits tropicaux s’est imposé : comme eux, mon corps de femme noire évoque un ailleurs idéalisé. Il évoque la notion du déplacement – l’importation ou l’immigration – et une obsession des origines – du produit et de mon identité – qui remet en question la légitimité de ma présence dans un espace donné. La peau des fruits représente ici le masque que la société occidentale me force à porter en raison de l’héritage colonial, qui est enraciné dans l’histoire de l’esclavage et qui teinte encore l’imaginaire collectif. »
Courtoisie de Cécilia Bracmort